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"Só se pode alcançar um grande êxito quando nos mantemos fiéis a nós mesmos." Friedrich Nietzsche

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Literatura na Oceania

Por: Jéssica Souza S. Gomes

No final do século XVIII, os países oceânicos foram colonizados pela Europa, tardiamente contribuindo com a cultura. Apesar desta forte influência, nada impediu de o continente formar suas próprias características. Possuía características visíveis de seus colonizadores ingleses, perceptíveis, principalmente na literatura australiana. O menor continente da Terra possuíam grandes aspectos de seus colonizadores ingleses na literatura, principalmente na Austrália. Já na Nova Zelândia, em meados do século XX, surgiram os primeiros poemas e prosas notáveis, agradando aos leitores, que eram na maioria, camponeses.
A literatura australiana desenvolveu certas qualidades bem definidas: o amor por um país enorme e pouco povoado, por uma flora e fauna únicas e pelo sentido da coragem e da liberdade ante as limitações das tradições europeias. Ainda que a língua inglesa não tenha sofrido transformações radicais na Austrália, foi submetida às mudanças de estilo com valiosos e interessantes empréstimos léxicos. Por este motivo, têm aparecido vários estudos sobre as transformações do inglês na Austrália. Logo em 1819, o escritor Barron Field publicou “Primeiros frutos da poesia australiana” (The First Fruits Of Australian Poetry), como a primeira expressão poética do espírito nacional.
A partir do século XIX, a literatura na Austrália ainda permitia-se seguir modelos da literatura inglesa e buscar a própria identidade, contudo a vida urbana começou a ocupar espaço dos temas nacionalistas abordados. Até o final deste século não existiu uma verdadeira literatura neozelandesa. Durante esse período, a prosa se caracterizou pelo realismo, vinculado aos acontecimentos do cotidiano.
Na Nova Zelândia, romancistas como Patricia Grace, Albert Wendt, Maurice Gee e autor infantil Margaret Mahy, são os mais reconhecidos. Keri Hulme ganhou destaque quando seu romance, “Os Povos Do Osso” (The Bone People), escreveu também o romance que se tornou filme “Whale Rider”. Seus trabalhos tratam da vida no mundo moderno, em sua maioria incorporando fantásticos elementos.
Desta forma, os detalhes minuciosos da natureza e reflexão cotidiana ressaltaram como principais características na Oceania, mesmo com a grande herança cultural presente de seus colonizadores.

Referências Bibliográficas:
Horário: 14:23  Data: 02/04
http://www.dw.de/literatura-da-nova-zel%C3%A2ndia-mergulha-nos-mitos-da-cultura-maori/a-16295661
http://gutenberg.net.au/pages/lawson.html
http://www.studyinaustralia.gov.au/pt/Living-in-Australia/History/Australian-History
http://www.bookcouncil.org.nz/writers/geem.html
http://www.australiacouncil.gov.au/artforms/literature
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Farsa da Boa Preguiça - Ariano Suassuna



Visando inovar os olhares a respeito da cultura nacional, principalmente ao que se refere à valorização da produção cultural nordestina, o Terceiro ano “A” trará para o palco uma história completamente irônica e caricata da vida social no Nordeste Brasileiro.
Escrita em 1960, pelo romancista e dramaturgo paraibano Ariano Suassuna (1927), a obra “Farsa da Boa Preguiça” é permeada de valores e personagens da cultura popular, considerada uma referência exemplar do folclore nordestino, com tipos sempre um tanto exagerados e altamente representativos, a peça é composta de três atos. 
A história narra às peripécias do poeta de cordel Joaquim Simão, personagem pobre, “preguiçoso”, que só pensa em dormir. Envolvido matrimonialmente com Nevinha, uma mulher religiosa e dedicada à família, o casal apesar das dificuldades é exemplo de fidelidade.  Já o casal mais rico da cidade, os vizinhos Aderaldo Catacão e Clarabela, possuem um relacionamento aberto e duvidoso. Aderaldo é apaixonado por Nevinha, e Clarabela quer conquistar Joaquim Simão.
Durante a trama, Três demônios fazem de tudo para que o pobre casal se renda à tentação e caia no pecado, enquanto dois santos tentam intervir. A partir daí, nascem situações inusitadas, fazendo deste enredo, uma das peças brasileiras mais divertidas.


“A história do rico que virou pobre
que ficou mais rico ainda
e foi pro inferno viver ao lado do cão!
E do pobre, do pobre que virou rico e ficou pobre de novo!
Foi-se embora pelo sertão!”

Versos de “Farsa da Boa Preguiça” Ariano Suassuna (2002)

Uma característica marcante da obra de Suassuna ganha destaque no enredo, as personagens são assemelhadas a xilogravuras vivas, em uma encenação que ganha contornos de crítica social sem perder o humor e a agilidade. Deste modo, tanto a cenografia, como os figurinos falam ao mesmo tempo de Nordeste, e da história das manifestações populares brasileiras, desenvolvendo um espaço cênico relativamente simples, de espírito real.
Nosso intuito com a montagem de “Farsa da Boa Preguiça” é reverenciar Ariano Suassuna e sua obra, mostrando que partindo da ingenuidade desenvolve-se a avareza e safadeza de uma ideia ociosa, a preguiça!
Portanto, estaremos ao longo dos próximos meses desenvolvendo todo um trabalho de criatividade, adaptação e teatralização, visando alcançar êxito e principalmente novos conhecimentos que nunca serão esquecidos. 
O resultado será um espetáculo que integra com fluidez a cultura regional à linguagem cênica, sem perder de vista a dinâmica colorida da tradição popular e as atrozes contradições da sociedade brasileira, uma verdadeira homenagem ao modo criativo de ser brasileiro.





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Semana de Arte e Cultura 2013

    

A arte é aquilo que chamamos de expressão, que pode ter a função de decorar, de espelhar o nosso cotidiano, para explicar e descrever a história, para ajudar a explorar o mundo. A história da arte é, na verdade, nossa própria história, porque por meio dela podemos pensar criativamente. Para retratar o caminho que nos conduziu a esse trabalho priorizamos as várias manifestações artísticas desde o final do século XIX até os dias atuais, recorrendo à história, mas de uma forma não linear. O projeto se desenvolve em um entrelaçamento de movimentos artísticos alternados para explicar que a arte não se restringe a ilustrações, adornos ou a usar coisas belas apenas.
Como não falar da arte, sem citar a educação? A arte exibida por este projeto tem como principais atrações: desafios, experiências, companheirismo, discussão, dedicação e apresentações. Educação é isso, é ultrapassar os muros da escola, é colocá-la como uma coisa lúdica, e acreditar que tudo contribui para o conhecimento.
O projeto tem a capacidade de unir as turmas e a experiência de trabalhar em grupo, do qual os alunos levam para resto da vida, inclusive auxilia no mercado de trabalho futuramente exigido.  Ao ter a oportunidade de participar ou até mesmo apenas assistir, percebe-se a dimensão desse excelente projeto.
Buscando combinar a ótica histórica com a dos artistas – observadas a partir da época referida – e desenvolver trabalhados prazerosos; estruturados de forma a tornar o aprendizado das várias linguagens artísticas estimulante e criativo, de modo a favorecer a criação de uma cultura interdisciplinar, em que diferentes disciplinas trabalham em projetos comuns, ajustados em sua essência, conceitos, metodologias e finalidades.
Nas Palavras da Idealizadora do projeto, a professora Eliana, a Semana de Arte e Cultura se define como: “Interdisciplinar conteúdo através da linguagem é o ponto de partida de qualquer trabalho educativo. Acreditando que uma relação educativa de integração entre as disciplinas promove um saber diferenciado e importante para melhor compreensão dos conhecimentos, idealizou-se o projeto Semana de Arte e Cultura do Setor Leste, o qual tem como embasamento a importância das mais variadas manifestações artísticas dentro da formação do homem e da sociedade, aliando-as à evolução e tendências tecnológicas.”
Em 2013 esta incrível viagem ao mundo das artes, mostrará o trabalho realizado por cerca de 400 alunos do Centro de Ensino Médio Setor Leste. A ideia do projeto é tornar a arte cada vez mais palpável aos estudantes. “Começamos este projeto com a Semana da Arte Moderna e como tomou uma proporção muito grande, ampliamos para Semana da Arte e Cultura, pesquisando desde o início do século XX. Desta forma a arte se torna palpável, além de oferecer um maior processo de percepção e multiplicidade”, analisa a coordenadora do projeto.
O terceiro “A” tem o imenso prazer de apresentar as culturas dos cinco continentes, onde por trás de todo o presente há inúmeras histórias, de como tudo começou e as influências que dominam até hoje, e que com certeza será levado para as gerações futuras.

"Há um tempo em que é preciso abandonar as roupas usadas, que já tem a forma do nosso corpo, e esquecer os nossos caminhos, que nos levam sempre aos mesmos lugares. É o tempo da travessia: e, se não ousarmos fazê-la, teremos ficado, para sempre, à margem de nós mesmos."
Fernando Pessoa


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Cinema Asiático


Por: Fernanda Nicolle Santos Silvano


O cinema é um artefato cultural criado por determinadas culturas que nele se refletem e que, por sua vez, as afetam. É uma arte poderosa, é fonte de entretenimento popular e, destinando-se a educar ou doutrinar, pode tornar-se um método eficaz de influenciar os cidadãos.
O cinema asiático apresenta uma diversidade excepcional em seu território, com diferentes culturas étnicas e religião ainda maiores que da Europa e da América do Norte. Isso irá influenciar muito o conteúdo dos filmes e a estrutura das indústrias cinematográficas locais.
O cinema asiático é dividido em cinema do leste asiático, cinema sudeste asiático, cinema do oeste asiático e cinema do sul asiático. Os principais países da indústria cinematográfica da Ásia são China, Japão, Índia Hong Kong e Coreia do Sul.
O cinema do leste da Ásia que abrange China, Taiwan, Japão e Coreia do Sul, tem uma produção que não depende da promoção do autor, por ser economicamente bem sucedido. Nesse continente o ator é mais valorizado do que o diretor, e chega a levar a pré-venda do filma em alguns países, principalmente o Japão. A presença do astro é tão grande que nos países os DVDs são organizados conforme os atores principais e não em ordem alfabética ou por diretores. A maioria dos filmes não se presta à classificação ocidental por gênero, pois mistura uma variedade de gêneros.
Mas o cinema asiático precisa de uma boa base para operar na esfera internacional e até mesmo nacional, mesmo que ainda exista uma distância muito grande entre o leste da Ásia (que abrange os principais países do cinema asiático) e o Ocidente para dar apoio maior para a produção cinematográfica. 


Bibliografia:
site:http://books.google.com.br/books?id=ur3KmNheYKkC&pg=PT37&dq=cinema+do+mundo:+asia&hl=en&sa=X&ei=p0pbUefmMIbc9QTUqoD4AQ&ved=0CD4Q6AEwAw acessado em 02/04/2013
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Teatro na Ásia


Por: Caio Gliosci

 Nô

 A arte Nô é a mais famosa e legítima arte japonesa, criada no século XVI pelo dramaturgo Kan’ami, passou a ser administrada após sua morte pelo filho Zeami. É uma fusão do teatro, da música, do drama e da poesia. Nô possui uma linguagem formal e com predominância aos aspectos simbolistas, portanto desprezando os aspectos realistas. foi a primeira forma mais completa, dois papéis principais Shite: era uma personagem mascarada que recita, canta e dança; 2ª Waki que era a personagem contra ao Shite. No teatro Nô existe o Jú que é o coro e os figurantes, existem os músicos: três tambores e uma flauta; Kokém: que era quem entregava os adereços aos atores.



Kabuki

O Kabuki é uma das formas mais tradicionais de teatro japonesa, originada no período Edo, no começo do século XVII. A palavra “Kabuki” foi criada por Okuni, uma incrível dançarina, é a junção de 3 ideogramas chineses; “ka”, “bu” e “ki”, que significam respectivamente: cantar, dançar e representar. Inicialmente, o Kabuki tinha como principais personagens, cantores e dançarinas, era uma espécie de drama leve. Eles eram acompanhados por instrumentos tradicionais japoneses, tais quais o shakuhachi (flauta de bambu japonesa), o shamisen e a biwa (instrumentos de cordas).
Essa forma de teatro era cultivada principalmente pelos mercadores da época. Buscavam expressar seus ideais nas peças, faziam críticas à sociedade, ao governo e à fatos históricos, através de sátiras, ironias e dramas. Tendo em vista a revolta social, o Kabuki tinha como tema principal, a insatisfação dos mercadores com a classe samurai e o sistema feudal, pois a classe mercantil, usufruía e abusava de alto poder econômico mas ainda devia o respeito aos seus superiores. Além disso, o Kabuki falava sobre o dia-a-dia da classe plebeia.
         A época, as atrizes eram a atração maior, pois suas danças e sua beleza atraíam um número enorme do público. Muitas dessas mulheres tornaram-se mais tarde prostitutas.
Entretanto, o que mais atraía o público da época eram as atrizes. Através das danças enfaticamente sensuais, o público do Kabuki comparecia a esses eventos não mais pela atuação em si, e sim pela beleza dessas mulheres. Prova disso é que muitas delas eram prostitutas.
Logo que surgiu, o Kabuki se expandiu e se popularizou, assimilando características de todas as formas teatrais que já existiam no Japão. O Kabuki extraiu técnicas e repertório para tornar-se, assim, a forma de teatro mais popular do Japão, ainda nos dias de hoje. 

Kyogen

Um dos primeiros teatros modernos , surgiu no século XIV no Japão, é apresentado tradicionalmente apenas por homens e é uma alternativa cômica, diferentemente do Nô que é de natureza musical. O Kyogen tem o diálogo com uma linguagem coloquial como centro e é apresentado em um tempo curto, mas intenso e suficiente para alcançar o objetivo da peça, pois retrata com uma maneira humorística fatos do cotidiano, mas sem deixar de lado a elegância e irreverência, sendo também bem dinâmico. Contando apenas com acessórios de mão, não necessita de cenários elaborados, e a atuação conta com todos os tipos de expressões, incluindo mudança de cenário e tempo. Sua vestimenta é formada normalmente sem o uso de máscaras ou maquiagens bem elaboradas, mas suas roupas têm grande predominância aos tempos antigos. 

Bunraku
O teatro Bunraku, surgiu por volta do fim do século XVI, vem de uma derivação do teatro Osaka, que é muito popular “Bunrakuza”, por apresentar peças de mesmo gênero. Pode ser também chamado de Ningyo (boneco ou fantoche) Joruri (estilo e canto), o teatro Bunraku se baseia em um teatro de bonecos feitos de madeira, e alguns chegam até dois metros de altura. Os bonecos eram controlados apenas por um titereiro mas ao passar dos tempos foi aperfeiçoando e até os dias de hoje são três titeriros:
*Central: Sobre tamancos altos insere sua mão esquerda no orifício do quadril e segura a haste do pescoço entre o polegar e o indicador. Utiliza 3 dedos da mão para manipular os fios que dão movimento aos olhos, a boca e a sobrancelha. Sua mão direita é utilizada para mover o braço direito do boneco.
*Esquerda: É o assistente, manipula o braço esquerdo do boneco, tendo total sintonia com o titeiro central, observando principalmente os movimentos da cabeça do boneco.
*Pernas: Este titeiro fica com as pernas dobradas e controla as pernas e os pés do boneco, mas, como via de regra bonecos femininos não têm pés, este deve criar a ilusão de pernas e pés, movendo a barra do quimono com suas mãos e braços.
Os bonecos são produzidos nos mínimos detalhes e assim tem expressões faciais muito bem elaboradas, é necessário, pois há movimentos em todo o corpo e até nos olhos, sobrancelhas e na boca.
Na apresentação, o narrador é de extrema importância, pois descreve grande parte da peça - o ambiente, cenário, as cantorias e as ações dos personagens.
No século XVIII, por ter uma duração muito extensa de em média 5 horas e o surgimento de novas técnicas com teatros de bonecos, o Bunraku entrou em decadência, mas já no século XX ele voltou à tona com técnicas sofisticadas. Além de ele ser bastastante preservado atualmente é um patrimônio cultural do Japão.


Teatro na Tailândia

O teatro tailandês, utiliza a dança tradicionalmente e se distingue em cinco tipos:
*Lakhon: é uma dança tailandesa bastante popular em que representa diversas histórias populares de vários temas do Ramakian. No começo, o Lakhon era apresentado somente no Palácio Real e por mulheres, já depois o Lakhon nok (exterior) era apresentado em qualquer lugar e tinha a participação tanto de homens quanto mulheres em seus espetáculos.
*Nang Talung: muito famoso, popularmente conhecido como teatro das sombras, surgiu na Malásia, suas marionetes são fabricadas com pele de búfalo e disfrutam de histórias clássicas e populares.
*Likay ou Likhe: é basicamente a mistura de folclore com a música clássica tailandesa, usam histórias e lendas populares como tema. Os espetáculos são muito grandes e fantásticos pois às maquiagens e vestimentas são muito bem cuidadas e elaboradas.
*Khon: antigamente, era o espetáculo mais conhecido e é somente interpretado apenas por homens e apenas em ocasiões especiais, porém, hoje já é interpretado por homens, mulheres, macacos e demônios e pode ser visto apenas no Teatro de Bangkok e no Teatro Real Chalermkrung. Os atores que dançam cenas, utilizam máscaras e são acompanhados de músicas projetadas através de tambores, sinos, gongos, xilofones e flautas. 








































Teatro de Sombras

O Teatro de Sombras é uma arte legítima do Oriente, através de um foco de luz aceso atrás de uma tela branca, imagens são projetadas para contar e realizar uma história. As figuras recortadas podem ter várias formas e são de silhuetas humanas, animais ou de objetos em papel. É uma das coisas mais tradicionais da China, leva consigo um legado de muitos anos e é considerada uma arte milenar. Tem como intenção aumentar a amizade e o respeito entre as pessoas, e a solidariedade à natureza. Sua origem é incerta, pode ter sido na China ou na Índia, e cada país desses, tem suas respectivas características, sendo que no China é a pedagógica, mas segundo a lenda, é que o Imperador da dinastia Han, teve sua bailarina predileta morta, mas acreditava em arte das magias, então pediu para que o mágico trouxesse a bailarina de volta ao “Reino das Sombras” , caso contrário seria decapitado, imposta essa exigência, o mago fez de sua imaginação sua salvação e usou pele de peixe para que ela ficasse semelhante a uma silhueta de uma bailarina, logo após, usou uma cortina branca esticada sobre o campo onde o sol se filtrava, e com a presença de toda a corte na varanda o mago utilizou o som de uma flauta e evoluiu à sombra da silhueta da bailarina, todos acreditaram que era real e ficaram alucinados com total semelhança.
São usadas pele de animais ou papelão para produzir as marionetes e a sombra delas é projetada sobre um tecido, e são perfeitamente movimentadas e reproduzidas por um marionetista e um manipulador solista, que ficam por trás do pano, para que assim a plateia os veja e pense que aquela silhueta projetada seja verdadeira. E para tudo ocorrer de maneira correta o tempo de aprendizado é longo e rigoroso, são feitos vários exercícios de manipulação, mas para que o aprendiz se forme é preciso ter o domínio necessário da dramaturgia e saiba produzir as silhuetas. A origem pode ser dada como, de acordo com lendas hindus, Vishnu reencarnou na terra pela sexta vez na forma de Parasurama, com o objetivo de proteger a devida supremacia espiritual e social da casta dos Brâmanes. Abandonou sua trajetória sangrenta, após inúmeras guerras, e de forma simbólica, lançou seu machado ao mar e com este golpe, sua arma cai ao Sul da Índia e sua violência fez emergir uma faixa de terra a qual Parasurama chamou de Malabar. Foram levadas várias famílias Brâmanes para esta terra sagrada com o objetivo de povoamento, formaram uma sociedade extremamente religiosa e ritualística.
O intenso comércio de especiarias e o ouro negro atraiam viajantes de todo o mundo, e assim, misturavam-se diferentes culturas à forte religiosidade do lugar e a tradição por grandes rituais e a constante presença de elementos dramáticos, surgiu a mais rica forma teatral da Índia : O teatro Kathakali.
O Kathakali é apresentado apenas na época das monções, nas celebrações religiosas de agradecimentos, e recebeu grande influência de artes marciais de Kerala, e é representada por uma simples melancolia. Contrapondo isto, beijar, comer, dormir e gritar são considerados indelicados.
O palco do Kathakali é composto por apenas uma lamparina movida por óleo de coco, e o figurino dos atores é determinado como a natureza do personagem, e por ser bem elaborado, os atores levam mais ou menos cinco horas para estarem prontos.
























Ópera de Pequim (China)

A Ópera de Pequim, é a ópera mais importante que surgiu no século XIX, e leva características como os elementos trágicos e cômicos que são unidos com danças, sons músicas, sons de tambores, instrumentos de sopro, literatura, cantos, malabarismo e até mesmo artes marciais. Com narrações poéticas e acrobáticas vemos uma forma dramática de apresentação de seus contos e lendas populares, com a linguagem usada no cotidiano.
As óperas mais antigas são representadas em mandarim arcaico, mas alguns teatros tem subtítulos em inglês disponíveis. Os figurinos são bastante produzidos e servem para diferenciar a classe social do personagem. As cores tem um significado essencial e específico, por exemplo o branco, que significa mentira, o preto, atrevimento e cores douradas e prateadas representam figuras divinas.
Os atores do gênero possuem diferentes habilidades e domínios e por isso levam muito tempo para aperfeiçoar, os estudos são longos e difíceis. Um dos melhores teatros da capital para assistir a um bom espetáculo é o Teatro ChangAn.


Bibliografia:
http://www.wikipedia.com.br
https://www.google.com.br/search?q=opera+de+pequim&rlz=1C1CHNQ_pt-brBR529&aq=f&um=1&ie=UTF-8&hl=pt-PT&tbm=isch&source=og&sa=N&tab=wi&ei=0ypbUd_wJZTe8wTnjIDQBw&biw=1600&bih=756&sei=zixbUZuuLObc4AO97IGABQ#imgrc=_
http://portuguese.cri.cn/152/2007/08/22/1@73770.htm
http://www.saindodamatrix.com.br/archives/kathakali.htm
https://www.google.com.br/search?q=khon+teatro&rlz=1C1CHNQ_pt-brBR529&aq=f&um=1&ie=UTF-8&hl=pt-PT&tbm=isch&source=og&sa=N&tab=wi&ei=hAVbUfzjJZHc8ASo8YCQBg&biw=1600&bih=720&sei=iAVbUc_FEZPF0AHOsIH4Ag#um=1&hl=pt-PT&rlz=1C1CHNQ_pt-brBR529&tbm=isch&sa=1&q=teatro+das+sombras+oriente&oq=teatro+das+sombras+oriente&gs_l=img.12...0.0.8.5306.0.0.0.0.0.0.0.0..0.0...0.0...1c..8.img.SPFC18Kpz3E&bav=on.2,or.r_qf.&bvm=bv.44697112,d.dmQ&fp=ea1803fa4e1335da&biw=1600&bih=756&imgrc=RWFjzIFk-T9f9M%3A%3BzUJH_OGgfQgXFM%3Bhttp%253A%252F%252F2.bp.blogspot.com%252F_aWyDEBQ9qeE%252FSl1eU7kHjXI%252FAAAAAAAAAFQ%252FEmThiOJuDxo%252Fs400%252FAA.jpg%3Bhttp%253A%252F%252Fe-tudo-de-bom.blogspot.com%252F2009_07_01_archive.html%3B308%3B400
http://en.wikipedia.org/wiki/Ky%C5%8Dgen
http://en.wikipedia.org/wiki/Noh_theatre
http://en.wikipedia.org/wiki/Shadow_Theatre

Visitados em 29/03/2013




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Pintura do Continente Americano


Por: Alice Vieira da Silva

O século XX começa com a ampliação das técnicas criadas no século anterior. A sociedade encontrava-se dividida entre a burguesia e os proletariados. O capitalismo começa á destacar-se, com isso ,surge os movimentos sindicais que interferem na sociedade industrializada
É nessa fase complicada,rica em contradições e muitas vezes angustiante que se desenvolve a arte do nosso tempo. Assim ,os movimentos artísticos ,tais como ,o Expressionismo,o Fauvismo ,o Cubismo, o Futurismo,o Abstratismo,o Dadaírmo,o Surrealismo, a Pintura metafísica, expressam, de um jeito ou de outro, a perplexidade do homem contemporâneo.
O expressionismo tem origem na Alemanha, entre 1904 e 1905, tem como principal característica expressar as emoções humanas e interpretar as angustia.Os artistas expressionistas procurava, através da cor e da deformação proposital da realidade, fazer com que os seres reais nos revelassem o seu mundo interior.Esse movimento veio para a América, especificamente no Brasil, em 1913 através do artista Lasar Segall, onde realizou uma exposição de sua pintura. Mas foi Anita Malfatti que teve grande importância no cenário histórico artístico brasileiro, pois,na medida em que foi criticada, chamou a atenção dos artistas inovadores e revelou que sua arte apontava para novos caminhos.
Depois das exposições de Lasar Segall e Anita Malfatti, percussores da arte moderna no Brasil, os artistas mais inovadores começaram a se reunir em torno da idéia da realização de uma nova amostra coletiva que apresentasse ao público o que se fazia de mais atualizado no país. Entre esses artistas estava Emiliano Augusto Cavalcanti de Albuquerque Melo , conhecido como Di Cavalcanti.’
O expressionistas são deformadores sistemáticos da realidade,pois desejam expressar com maior facilidade possível seu pessimismo em relação ao mundo.Com esse pessimismo todo,o expressionismo históricamente o primeiro grande movimento da pintura moderna será muitas vezes abondonado e outras tendências surgiram ao longo deste agitado século.
O Fauismo foi criado em 1905 em Paris, durante a realização do Salão de Outono,alguns jovens pintores foram chamados pelo crítico Louis Vauxcelles de Fauves,que em português significa feras por causa da intensidade que usavam as cores puras e devido a simplificação da formas das figuras.As figuras Fauvistas são apenas sugeridas e não representadas realmente pelo pintor.Da mesma forma as cores não são as da realidade, elas resultam de uma escolha arbitrária do artista e são usadas puras.No continente Americano o Fauvismo não tem de forma registrada pintores desse movimento.
O cubismo originou-se na obra de Cézanne, para ele a pintura deveria tratar as formas da natureza como se fosse cones ,esferas e cilindros.entretanto os cubistas foram mais longe passaram a representar os objetos com todas as suas partes no mesmo plano,significava e como se eles estivessem abertos e apresentassem todos os seus lados no plano frontal em relação ao observador. Na verdade,essa atitude de decompor os objetos não tinha nenhum compromisso de felicidade com a aparência real das coisas.Significava,em suma,o abandono da busca da ilusão da perspectiva ou das três dimensões dos seres.Este movimento tem duas fases:Cubismo Analítico e Cubismo Sintético.
No continente Americano o cubismo teve dominância no Brasil com Vicente de Rego Monteiro que demonstrou em suas obras is mitos indígenas e temas religiosos.Outra grande artista que transformou a estética Européia uma arte brasileira foi Tarsila do Amaral que procurou uma expressão moderna, porém mais ligadas as nossas raízes culturais.
O abstratismo foi um movimento que desenvolveu a pintura abstrata e ausência de relação imediata entre suas formas e cores e as formas e cores de um ser.Por isso uma obra abstrata não representa nada da realidade que nos cerca.Os principais estudiosos foram:Wassily Kandinsky e Natália Gontcharova.
Além das grandes linhas da pintura do inicio do século XX ,outras idéias motivaram os artistas das primeiras décadas do nosso século a experimentar novos caminhos para suas criações.Assim,a valorização da velocidade produzida pela mecanização do mundo contemporâneo levou a criação do movimento que ficou conhecido como Futurismo,os seus pintores tinham uma visão estática da realidade.Principal artista a demonstrar isso foi Giacomo Balla.No continente Americano não há registro desta pintura.
O dadaísmo foi o movimento mais radical de todos os movimentos da vanguarda pois negava toda a arte do passado inclusive a moderna e nada propõe. Ou melhor , propõe a morte da arte. Chegou no continente Americano em 1915 por Marcel Duchamp,quando chegou em Nova York provocou um escândalo devido a obra nu descendo uma escada.
A pintura metafísica desenvolvida pelo artista Giorgio de Chirico,temas das suas obras são as paisagens urbanas não há nenhum registro desta obra no continente Americano.
A pintura surrealista desenvolveu duas tendências:a figurativa e a abstrata.Entre os pintores surrealistas de tendência figurativa estão:Salvador Dali e Marc Chagall.Já entre os surrealistas de tendência abstrata são:Joan Miró e Max Ernst.


Fontes:
Livro: HISTORIA DA PINTURA
Autor: BECKETT, WENDY 
Idioma: PORTUGUES 
Editora: ATICA 
Assunto: ARTES - TEORIA E HISTÓRIA
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Arquitetura e Escultura na Oceania


Desenvolvimento da Arquitetura na Oceania



Por: Ingrid Mayara Brandão Ribeiro



Diferentemente da Europa, a arquitetura na Oceania evoluiu de forma lenta. As primeiras aparições de moradias eram construídas com ramos, cal e placas de madeiras, que depois de um tempo foram substituídos por pedras e tijolos. O desenvolvimento da arquitetura se deu a partir do século XIX, mesclando a cultura inglesa, com costumes e construções simbolicamente europeias.
A arquitetura urbanística de estilo ousado e ultramoderno, e também de grande qualidade, é de impressionar a qualquer um, tanto pela modernidade quanto por seus detalhes. Atualmente, os arquitetos dão mais importância ao conforto, a diversidade e a prática sustentável.
A Austrália possui impressionantes construções. O Opera House, considerada a oitava maravilha do mundo pelos australianos, atrai multidões. O complexo de teatros, estúdios, auditórios e restaurantes, levou em média 14 anos para ser construído, sendo inaugurado no ano de 1973, pela Rainha Elizabeth II.

A primeira construção da Oceania a ser declarada Patrimônio Mundial pela Organização das Nações Unidas para a Educação, Ciência e Cultura (UNESCO) no ano de 2004, foi o Edifício de Exposição Real. Atualmente é alugado para aplicação de provas.
Também na Austrália, está localizado o segundo maior prédio residencial do mundo. A Torre Eureka contém 91 pavimentos e 297m de aultura.

O longo processo de adaptação nos trouxe a atual realidade da arquitetura do continente oceânico. Representada de forma moderna e com caráter internacional, Mahina a nova criação dos neozelandenses, foi projetada com princípios sustentáveis, em forma de lua crescente, projeto que só foi concluido após três anos. Investidores de toda parte do mundo disputam a tão sonhada casa futurista de aproximadamente 827m².



Escultura na Oceania
Escultura no continente Oceânico 

A arte da Oceania é um conjunto diversificado de expressões. Fauvistas e expressionistas veem esse aglomerado como uma liberdade criativa artística, fato fundamental que acarretou em seu reconhecimento histórico. As principais etnias encontradas no continente são os australianos, os papuas, os melanésios e os polinésios, povos que desenvolveram suas técnicas de acordo com as condições oferecidas pelo local que habitavam. Por ser uma região de diferentes estilos artísticos, a escultura se distingue por sua forma, técnica e também pelos detalhes.

O totem era a representação mais comum do continente, ele é uma espécie de símbolo utilizado por um clã ou tribo, como forma de celebração de força espiritual e de energia positiva. A imagem combina feições de animais com aparência de gente ou vice-versa.
O escultor australiano, William Ricketts através de suas obras tentava transmitir a espiritualidade e o respeito pela natureza que os aborígenes possuíam. Em 1934, William criou um parque com noventa e duas esculturas. Por acreditar que tinha um compromisso com a humanidade, o escultor adicionou a cada uma delas uma descrição que explicava seu propósito e também a sua motivação.
Também presente no continente, os Maoris são considerados mestres da arte. Este povo desenvolveu sua escultura através dos séculos. Desenhos geométricos com significados espirituais são predominantes em sua arte. As esculturas eram feitas com ossos humanos e de animais, basalto e jade. O comprimento da cabeça e sua forma se unificam, mantendo viva a lembrança dos fatos ocorridos na época.
A escultura era utilizada pelos nativos como forma de respeito aos seus ancestrais e também como forma de descrever danças de guerra. As figuras que carregavam lanças e clavas traziam em sim expressões intimidadoras, maneira que encontraram para demonstrar que estavam desafiando os seus inimigos.








Bibliografia:
http://www.west1.com.br/bck/west/bck/pages.php?recid=84 acessado às 18h23min do dia 30/03/13
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